ANDRE
c) Carl
André
d)
Obras
de André
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Nació
en 1957 en Estados Unidos, y se desarrolló en la década
de 1960 bajo la influencia rusa del primer satélite Sputnik, la crisis de
los misiles de Cuba, el desarme nuclear planteado en Ginebra, el surgimiento de
la terrorista palestina OLP, la Guerra en Vietnam, la Guerra de los siete días,
la francesa Revolución de Mayo, el festival de rock de Woodstock y la llegada
del hombre a la Luna.
Sus
conceptos artísticos parten de la filosofía
de Wittgenstein plasmada en su Tractatus-1922,
y critican la banalidad de la sociedad de consumo. No obstante, y aunque sus
integrantes se conocen, cada uno actúa con independencia.
Su
término
fue acuñado por el filósofo Wolheim en 1965, pues hasta entonces había
recibido las nomenclaturas de Arte ABC, Arte frío, Arte literal, Arte
reduccionista, Arte de la 3ª corriente…
Recibió
influencia
del:
-Suprematismo
de Malevich[1],
donde el objetivo era dar supremacía al color y forma (significados por sí mismos) sobre la mera representación de los objetos
del mundo visible;
-Constructivismo
de Lisitsky[2],
donde el diseño gráfico, la arquitectura, el cine, el cartelismo y la fotografía
son reclamados para la nueva sociedad comunista;
-Neoplasticismo
de Schoenmaekers
Y ejerció influencia en el Arte conceptual.
Se
trató de un arte que se planteó hacer
algo que desmaterializara la obra de arte y representara al mismo
tiempo la nueva identidad norteamericana. Para lo que rechazaba
de plano:
-la
pintura, amabilidad y mundo ideal del Arte pop,
-los
excesivos simbolismos del expresionismo abstracto.
Se
trata de una escultura
teatral, donde es más importante seleccionar el dónde y cómo
colocar la obra, y lo que hay alrededor suyo[4],
que la propia obra en sí. Así, se busca la coherencia entre las piezas y el
espacio circundante, casi siempre al aire libre y con gran austeridad.
Sus
obras
son esculturas originales, simples y a gran escala, y concebidas como objetos
específicos de diseño gráfico e industrial.
Su
característica teórica más importante es que lo que ves es, eliminando viejos
vicios artísticos de varias lecturas, trampantojos de vidas y momentos,
simbologías y analogías, puras apariencias... y dotando al arte de su
verdadera identidad: lo que se ve.
Se
mueve bajo el lema de menos
es más, mostrando interés por:
-el
placer de la vista, para lo que reduce los elementos al mínimo,
-la
mera intervención en el espacio, sin nada más y sin introducciones
subjetivas de uno mismo,
-la
accesibilidad de todos a la pieza, mediante la autonomía respecto a lo demás,
-la
insignificancia del objeto, para no decir ni provocar nada,
-la
repetición del motivo, pues la repetición lleva a la neutralidad.
Su
simplicidad
geométrica está basada en el orden y el rigor conceptual,
predominando los rectángulos y cubos. El volumen de las piezas envuelve a otras
obras y a los espectadores.
Utiliza colores planos, sintéticos e industriales. En general bajo superficies monocromáticas, con tratamientos repetidos e indiferenciados. Y siempre mediante un acabado industrial, sin dejar ninguna huella del artista.
Se trata de la abstracción llevada al extremo,
con construcciones de objetos que no representan nada, y lo único que tiene
valor es el montaje de la obra.
c) Carl
André
Escultor
norteamericano, Carl André (1935- ) fue el introductor de la escultura sin
pedestales, no distinguible del resto de objetos externos, sin principio ni fin[5].
Pasó
su vida
laboral haciendo plañis[6],
esculturas de madera sobre el suelo e implicadas sobre el entorno, cubos
tridimensionales entre la pared y el suelo, figuras con figuras en su
interior…
En
cuanto a su obra
escultórica, buscó la escultura como lugar[7],
remitiéndose a la idea ancestral de Stonenheim. Eso sí, sin ningún
significado profundo.
d) Obras de André
Destaca su Planta de Magnesio-1969, damero de ajedrez de 36 m2 y, como al propio André le gustaba jocosamente decir, ejemplo de:
-materialismo,
porque estaba
hecha de sus propios materiales, sin pretensión de
tener otros diferentes,
-comunismo,
porque la obra era igualmente accesible a todo el mundo,
-ateísmo,
porque carece de trascendencia, espiritualidad e intelectualidad.
Manuel
Arnaldos
Mercabá,
diócesis de Cartagena-Murcia
más
información
Diccionario
Mercabá de Arte
Indice
general de Enciclopedia Mercabá de Historia
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[1]
Movimiento desarrollado entre 1915-1923 por obra del ruso KAZIMIR MALEVICH,
comisionado para la enseñanza del pueblo y director del bolchevique Diario
de la Comuna, que en su Suprematismo
o Mundo de la no representación-1920 va reuniendo a los artistas POPOVA,
RODCHENCKO, LISITSKY… bajo el nombre de Grupo Supremus (que luego se
integrará al completo en el Constructivismo ruso).
Respecto
a MALEVICH, destaca su Cuadrado negro
sobre fondo blanco-1923, donde:
-rechaza
la utilidad del arte y de la expresión grafica, pues el arte está en la
experiencia,
-trata
de plasmar el sueño de un mundo mejor y un ser humano más noble, por medio
de la religión.
Se
trató, pues, de un Suprematismo que tendía hacia lo absoluto, hacia el
infinito, hacia la mística, dejándose fascinar por la belleza de las
formas geométricas, las matemáticas, la grandiosidad del universo, lo que
se escapa a nuestro alcance. Buscaba una pintura liberada de referencias
objetivas, con los mínimos elementos, con toda la fuerza de lo
aparentemente en reposo, a imagen de lo que bien supo hacer el icono ruso.
[2] Movimiento desarrollado a partir de la Revolución bolchevique-1917, por obra del ruso LAZAR LISITSKY. Se trata de poner el diseño industrial, las artes aplicadas y la comunicación visual al servicio del comunismo, desde la convicción de crear un arte proletario y revolucionario. De ahí la insistencia en carteles, y la reiteración en los colores negro, blanco y rojo (golpeando a los blancos con la cuña roja).
Fue el caso de ALEKSANDR RODCHENKO, diseñador cartelista que diseñó la torre conmemorativa de la III Internacional Socialista-1919 (arquitectura férrea de tres piezas: una pirámide, una esfera y un cilindro, moviéndose cada una a su propio ritmo).
O
el caso de LIUBOV POPOVA, diseñadora de trajes y decorados para teatro,
aparte de impartir clases en el Instituto Artístico de Inkhuk, centro de
las teorías constructivistas.
Para
el Constructivismo, el estilo debía sustituirse por la técnica y el
artefacto, pues la pintura no es sino un paso intermedio hacia la
arquitectura.
[3] Movimiento desarrollado entre 1917-1931 por obra del holandés MATHIEU SCHOENMAEKERS, matemático que buscó la esencia de la tierra, la trama cósmica y la trascendencia espiritual, así como desnudar a la naturaleza de todas sus formas para que sólo quede el estilo.
Se
trata de una concepción esencialista de la pintura, que busca desvelar las
formas más puras de la naturaleza mediante la eliminación de lo superfluo
y desvirtuante. Así, parte de una imagen y poco a poco la va simplificando
en formas cubistas, hasta conseguir la abstracción pura.
En
cuanto a colores, utilizó:
-el
azul: signo de lo vertical y horizontal,
-el
rojo: signo de lo general y particular,
-el
amarillo: signo del hombre y mujer.
Pues el verde estaba prohibido. De hecho, la separación entre sus miembros se produjo porque unos querían utilizar el verde y la línea curva, y otros no.
Destacó
en el Neoplasticismo THEO VAN DOESBURG. teosofista que argumentaba que para
conocer profundamente la naturaleza había que experimentarla de forma
profunda.
Así
como PIET MONDRIAN, que indagó en el espíritu absoluto con el fin de:
-encontrar
la estructura básica del universo, la supuesta retícula cósmica,
-representar
el no-color blanco, atravesado por una trama de líneas de no-color negro.
Así
como los medios de:
-planos
rectangulares, según el modelo urbano de New York,
-colores
primarios, en acrílicos o sistemas industriales,
-repudio
de las características sensoriales,
-eliminación
de las curvas,
-producción
en masa de obras de arte, para que todos se beneficien.
[4]
Pues no importa el propio movimiento, ya que las piezas deben mostrar
neutralidad y esto sólo es posible a través del estaticismo, monotonía y
composición serial.
[5]
Como una serie de raíles, caminos esculpidos de tal manera que no puede
observarse su principio ni final, ni una posición preferente desde la cual
puedan ser observados.
[6]
Planos cuadrados pegados al suelo, que ocupaban un espacio y hacían que el
espectador se parara frente a ellos, pero sin pisarlos. Estaban hechos de
hierro y magnesio, y eran parecidos a un damero de ajedrez.
[7]
Pues él se había criado en una zona minera, y siempre quiso que la gente
experimentase esa sensación de pureza no manipulable.